Ourense 2005

Álvaro de la Vega

La energía y la fuerza de la escultura de Alvaro de la Vega llegan a Ourense en una nueva propuesta artística del Centro Cultural de la Diputación, que nos aproxima al trabajo de uno de los escultores más personales de la Galicia actual.

La propuesta escénica del trabajo duro y reﬂexivo de este consolidado creador se completa con la colocación de varias obras en la calle, en los exteriores del propio ediﬁcio del Centro Cultural, abriéndose aún más si cabe a la sociedad y haciendo a todos los orensanos partícipes de su creatividad.

La madera, el hierro, la experimentación con nuevos materiales son elementos que le sirven al escultor para investigar alrededor de los cuerpos –cuerpos de hombres, mujeres, ángeles, animales–, esos cuerpos en los que se encierra el todo y la nada, la existencia, el rigor de la vida y la fragilidad de un futuro incierto.

A enerxía e a forza da escultura de Alvaro de la Vega chegan a Ourense nunha nova proposta artística do Centro Cultural da Deputación, que nos aproxima ó traballo dun dos escultores máis persoais da Galicia actual.

A proposta escénica do traballo duro e reﬂexivo deste consolidado creador compleméntase coa colocación de varias obras na rúa, no exterior do propio ediﬁcio do Centro Cultural, abríndose aínda máis se cabe á sociedade e facendo a tódolos ourensáns partícipes da súa creatividade.

A madeira, o ferro, a experimentación con novos materiais son elementos que lle serven ó escultor para investigar ó redor dos corpos –corpos de homes, mulleres, anxos ou animais–, eses corpos nos que se encerra o todo e maila nada, a existencia, o rigor da vida e a fraxilidade do futuro incerto.

José Luis Baltar Pumar

Presidente Diputación Ourense

Álvaro de la Vega

Deixémonos de historias, ¡ollo ás tallas!

Un marco, unha costa: a Costa da Morte

A mar está picada. Fai sol, máis a sensación térmica é desapracíbel. As ondas debuxan unhas zigzagueantes liñas brancas e oblicuas que, dende a atalaia onde estamos, semellan mínimas. Días como estes fan case imposíbel o duro oﬁcio desas pequenas embarcacións que tratan de achegarse á porto para deixa-lo peixe; de gran calidade, dou fe delo. Fisterra, ﬁn do mundo; camiñamos preto do faro, o mesmo lugar onde os peregrinos desfánse das roupas que lles serviron de abrigo mentres percorreron o Camiño de Santiago. Dende tan alto escenario percibo a dureza dun oﬁcio, o de mariñeiro, sobre todo neses días nos que todos os seres sensatos se refuxian en lugares máis apracibles.

A Costa da Morte, paraíso terreal, está a perder, hoxe, esa beleza natural que lle outorgou o divino, ¡que xa é perder...!, en mor de erráticos intereses, que van a conseguir que se desfaga por completo a súa identidade. De camiño cara ó estudio do escultor, paramos no cemiterio que César Portela deseñou para que descansaran os restos dos mariñeiros mentres as súas almas buscaban un mellor acomodo. Aínda hoxe permanece baleiro, ninguén o quere utilizar como última morada; está claro, a fermosura da construcción non engarza coa cultura mortuoria da zona; agora estase a utilizar como un argumento turístico máis, moi visitado; que a ninguén lle estrañe que algún día constrúan nel vulgares bungalós.

O escultor

Álvaro de la Vega é un home forte, alto, de mans recias curtidas polo traballo manual. Mans desas que, cando as sentes, comprendes a que se deben referir os xuíces e políticos cando din, de maneira metafórica, que caerá “sobre aqueles que non cumpran as leis todo o peso da xustiza”, de repente tamén entendo a que veñen esas cinco mans xigantescas -veas pintadas emulando a circulación sanguínea - que comparten estancia cunha multitude de ﬁguras, enmudecidas, agardando non se sabe moi ben que... Atopo nel, un home amábel, pero nervioso, de xesto serio, intrigado, como aquel que semella estar preocupado por cuestións que van máis alá das perentorias. De mirada profunda e cristalina, polo de sincera, desas que outorgan seguridade. Paso ﬁrme e decidido, dos que están acostumados a pelexar coa vida; sen embargo, baixo esa aparencia ruda, vou descubrindo a un home sensíbel, comprometido co seu contorno. Hai que estar a ben coa natureza, non o digo eu, o di o sentido común, xa que é o espacio en que vivimos.

Traspasámo-lo limiar da porta do seu estudio, estamos en Corcubión, vila mariñeira. É moderno, en catro niveis, e amplas ventás. Polo chan están espallados todos eses ﬁllos que, basicamente en madeira, danlle unha atmosfera irreal ó espacio, que polo feito de estar tamizados por unha cenital luz natural impide que os vexamos rebordar de vida que, con toda seguridade, no medio da noite retoman. O chan ben puidera ser o de calquera taller de carpintería: restos de ferramentas e madeiras esnaquizadas danlle un ambiente cálido á estancia. A ninguén se lle escapa a calidez que emana da madeira, aínda que, coma neste caso, sexan cascotes e serraduras.

A obra

Alleo ós discursos estéticos mais contemporáneos, a obra en madeira deste escultor é sorprendentemente expresiva. Un autor que traballa a madeira, fuxindo da estilización dos obxectos de certa escultura que se practica hoxe. Madeiras que non esconden a súa procedencia: a árbore; cheas de feridas, de grosos centenarios, que mostran toda a súa dureza; labradas ó bruto, sen eludir a referencia á materia que as contén e cunha mínima concesión á cor, tan só para por o acento en certas partes da ﬁgura. Na linguaxe popular, cando se dicía que un obxecto estaba feito á machada, era sinónimo de obxecto mal fabricado ou mal acabado, que non é o caso das obras de Álvaro, que “produce unha arte ligada á terra, un torrente verbal que sae do pobo e que fala coas mans. Traballo coa machada porque é a ferramenta que máis me gusta, o labrado dálle ritmo e cadencia”.

Resulta paradoxal, despois do debuxo trazado pola escultura contemporánea ó longo de século XX, onde as prácticas artísticas optaron pola disolución do obxecto, xurdindo correntes que hoxe están máis que consolidadas, -dende as instalacións, os assemblages escultóricos, as intervencións efémeras, etc, - así coma as transformacións vividas arredor do espacio e o volume, as fragmentacións ou os distintos materiais constructivos, que aínda hoxe poidan coexistir cunha arte de proceder tan primaria que se remonta a épocas pretéritas, como é a escultura de talla directa sobre madeira. A mesma que algúns deixándose levar polas aparencias a relacionaron coa de Leiro, “eu cando comecei a facer este tipo de escultura, xa sabía o que se me viña enriba. Quen me relacione con Leiro é que non ten nin idea do que fago, non se pode confundir a risa co drama”.

Dicía Baudelaire que a escultura é unha arte brutal e obxectiva, tanto ou máis que os propios feitos da natureza. Se tomamos por boa esta deﬁnición, é probábel que un proceder tan primario, dunha xestualidade tan dramática e de corte expresionista - “calquera cousa con ritmo, de certa calidade autógrafa, de capacidade de ﬁrma, o é”- e de aparencia inacabada como a de Álvaro de la Vega estase a acomodar a ela; non obstante, baixo a pel deses enormes troncos, desas ﬁguras en actitude doente e reﬂexiva, deses ferros brutos que delimitan o volume, sombras de arame, metáfora dun sorprendente claroscuro, nas que as marcas de machada son a única vestimenta coa que poder soportar a friaxe da noite, atopamos unha obra ruda en aparencia, aportando elementos da cotidianidade, da estetización do suxeito, nunha sorte de revisión do pop art na que trata de potenciar a comunicación co espectador. Pero que serve, sobre todo, para dar cobertura a uns pensamentos de raíz ﬁlosóﬁca, moi elaborados, que se presentan ante nós en aparencia “moi real”.

Schopenhauer

Ó ver estes grupos escultóricos non podo evitar pensar no que de curativo teñen as artes plásticas e lembrar o sentir tráxico da vida de Schopenhauer cando se refería ó sufrimento do ser humano por ter que satisfacer as necesidades materiais dunha maneira permanente. A vida é unha loita, dicía el, na que debemos soportar un permanente estado de desexo, onde as imperfeccións humanas tan só se librarán a través da beleza desprendida pola contemplación das obras de arte. A traxedia da vida radica nese permanente existir preto do sufrimento. A negación do desexo non rematará coa negación da vontade de vivir e a solución deﬁnitiva, segundo o ﬁlósofo, está no nirvana budista, o estado máis puro de negación de vontade. Por iso, consciente dun existir tráxico en si mesmo, o escultor remata por exercer de sanador, empregando a arte como entidade curativa coa que dar renda solta ás nosas angurias para librarnos delas, unha maneira de loitar contra elas, coma quen quere liberarnos do noso transitar doente polo mundo.

Claves

Tensión, masa, liñas verticais, reﬂexión, experiencia sensitiva, pensamento, nihilismo, pesimismo, anguria, dúbida, busca, ansiedade, espiritualidade, cárcere, alienación, corpo colectivo, existencialismo. Estamos ante un autor que sofre. E ese carácter introspectivo, atormentado,... remata por extendelo á súa obra, extensión de si mesmo, “¿atormentado?¿que artista non o é?”.

Non é amigo para nada das esceniﬁcacións, parécenlle sempre moi perigosas. Sen embargo, gústanlle as esculturas con espacio interior, consciente de que é este o que nos conforma; e por outra banda, dálle moita importancia á arquitectura externa dos espacios, “algo fundamental para que as ideas transcorran na liña da fronteira, dende un concepto complexo, chegar á idea espida, por riba do narrativo interesa o xogo do espacio”. Como importante é o contorno arquitectónico onde se desenvolven.

A pesar da aparente inxenuidade ou empatía que podemos recibir destas pezas, o escultor quere restituír, non a aparencia da realidade, senón a presencia das mesmas; sen darse conta de que ditas presencias néganse a calquera tipo de representación, posto que estamos a falar de feitos transcendentes, de presencias como categorías de pensamento - o ser humano como continente do espacio inﬁnito de pensamento-, da fraxilidade, da mecánica autodestructiva. O ser aﬂora no signo, que se signiﬁca, pero non está interesado en complicar a historia en demasía e impedir o achegamento dos espectadores, “interésame crear unha porta de acceso fácil. Non me interesan os espectadores pasivos, non me gusta complicar a primeira liña de lectura”. Decatámonos de traballos dunha longa traxectoria, inspirados na animalística simbólica da idade media, de certo carácter representativo da arte sacra, neses retablos románicos que el gusta abordar desde a súa práctica, ﬁguras presentadas dende o distanciamento, a estrañeza, como esas catro mans xigantes postas sobre a parede, dende o estupor que inspiran todo tipo de intelixencias alleas ó ser humano. Outro deses autores que lle gusta facer “guiños” á historia da arte, con eses cabalos que emulan ós de Géricault, ou os touros de Guisando, sen esquecer que outra parte da súa obra, eses seres de aspecto tráxico, inciden nunha das constantes vividas pola práctica artística dende os oitenta, que é esa importancia outorgada ó corpo humano, dende todas as perspectivas posíbeis, que van dende a enfermidade, as cuestións da identidade sexual ou as de aspectos relacionados coa beleza; tiveron moito que ver con esa potenciación ou volta ó espírito ﬁgurativo ou arte relacionada co pop.

Ó marxe do imperfecto acabado, é chamativa a visibilidade exterior nas pezas de certos materiais como colas, restos de impurezas na fundición dos ferros, areas mesturadas con asfaltos ou eses máis que evidentes cables e tensores, necesarios nas tarefas de suxeición das propias ﬁguras, ou as liñas verticais que dividen en dous algunhas das esculturas. Como tamén o é o feito de atopar moitas desas pezas mirando cara a parede, insistindo nese sentimento tráxico do existir, liña de pensamento, que se mostra baixo unha aparencia ﬁgurativa, por recoñecíbel, abstracta no fondo, nun traballo que non está lonxe do conceptual. Impulso, chamémolo intelectual, no que o espectador terá que tratar de entender algo máis alá do visíbel. Non estamos ante un deses autores que desexe ﬁltrar á vida todo o período de aprendizaxe, exceso de información, “non quero sobrecargar a escultura, hoxe estamos a vivir unha arte moi mediatizada e o feito de ter información vicia á arte. Interésame que o público perciba certa proximidade”.

Unha obra condicionada ó debuxo, “a fase inicial de todo traballo é moi importante, a pesar de que a terminal é a que máis se valora”. Esculturas que, como se foran debuxos, lles aplica esa terceira dimensión, a aportación do claroscuro, facendo que as pezas de madeira proxecten sombras debuxadas sobre o arame - a serie da Contemplación-, outra obsesión máis. A escultura de Álvaro foi, co tempo, presentándosenos cada vez máis espida, pondo en practica un proceso de borrado, para non ter que centrar a mirada en nada que vaia máis alá dunhas liñas básicas e familiares. Como eses anxos que colgan do teito, “Emerxencia”, onde os podemos ver coas alas na man, nun verdadeiro proceso de desmitiﬁcación; ou esa parella, home e muller, en roupa interior, que teñen como pedestal o propio tronco sen labrar da árbore. O espectador atopará todas esas cuestións que, relacionadas co estrañamento, fannos incidir no poético, “a ﬁnalidade de toda creación artística, esa capacidade que ten a arte de levar ó espectador cara á zonas de exploración descoñecidas”, guiando todas esas cuestións relacionadas coa intuición, a fronteira, a transcendencia ás que tan só se pode chegar a través da arte. Como neste caso, que dende as entrañas do informe deses troncos, que entre o caótico irán aparecendo: formas insinuadas, veladas, partindo do debuxo, sempre do debuxo “primeiros garabatos, proceso de puriﬁcación e volta ó debuxo”, liberándose da materia que lle da forma, para chegar ó corpo, o corpo como ente abstracto que o contén, o verdadeiramente importante.

Epílogo

Nunha sociedade cada vez máis afastada das cuestións de raíz existencial, na que cada vez resulta máis difícil atopar un oco para a introspeción, a obra de de la Vega “estructurada a partir de símiles, non metáforas, onde todo é proximidade, relacionar ás cousas por mímese, unha forma básica da linguaxe, nun intento de que o público perciba a proximidade”. Un espacio cara a reﬂexión nun mundo cada vez máis frívolo e xordo.Tal vez esta obra consista neso, aproximarse ó que de auténtico aínda queda no ser humano, por iso trata de achegarse tanto a el, preparar unha envoltura aparente que se poña en contacto co que nos rodea, un espacio no que purgar os males da sociedade e sentirse a salvo dela. Lacán dicía que “o obsesivo é unha persoa que está todo o rato preguntándose se esta vivo ou morto. Horrorizado non só co seu propio desexo, senón de maneira moi especial co do Outro, por iso intenta desfacerse do Outro desexante, e faino adoptando o lugar do outro. A única maneira de estar a salvo das agresións é construír eses espacios, eses seres aparentes cos que pórse en contacto coa realidade que nos rodea, e así estar a salvo das consecuencias de tan frenético devenir. Coa morte do Outro desexante, este agarda o feito de ser libre para vivir. Sen embargo, o xeito de imporse novas normas continuamente, o obsesivo remata por converterse nun morto vivinte”. E estes corpos non son outra cousa que ataúdes cos que enfrontarse á morte, pensamentos arredor da vida, cheos de anguria, de espiritualidade, obsesivos, de medos. Unha maneira de chegar á divindade a través do eu, de buscar a orde dentro do caos. Por iso estes rostros de Álvaro, a modo de personaxes saídos dos retablos medievais, fragmentos, mans, que nos recordan que non somos outra cousa que parte dunha secuenciación biolóxica. Manteñámonos a salvo, exorcicemos os malos augurios. Morramos para voltar a nacer, adicándonos a estudiar a tradición budista, a única que, segundo Schopenhauer, vainos salvar; ou simplemente, disfrutemos da contemplación e o caracter curativo das artes.

Deixémonos de historias, ¡ollo ás tallas!

Sen título

Olmo

160 x 150 x 150 cm [grupo]

2005

Tensión I

Olmo e arame

170 x 50 x 45 cm

2004

Tensión III

Olmo e arame

170 x 50 x 45 cm

2004

Sen título

Olmo

90 x 100 x 90 cm [grupo]

2005

Dejémonos de historias, ¡ojo a las tallas!

Un marco, una costa: la Costa de la Muerte

El mar está picado. Hace sol pero la sensación térmica es desapacible. Las olas dibujan unas zigzagueantes líneas blancas y oblicuas que, desde la atalaya donde estamos, semejan mínimas. Días como este hacen casi imposible el duro oﬁcio de esas pequeñas embarcaciones que intentan acercarse a puerto para dejar el pescado; de gran calidad, doy fe de ello. Fisterra, ﬁn del mundo. Caminamos cerca del faro, en el mismo lugar donde los peregrinos se deshacen de las ropas que les sirvieron de abrigo mientras recorrieron el Camino de Santiago. Desde tan alto escenario percibo la dureza de un oﬁcio, el de marinero, sobre todo en esos días en los que todos los seres sensatos se refugian en lugares más apacibles.

La Costa de la Muerte, paraíso terrenal, está perdiendo hoy esa belleza natural que le otorgó el divino, ¡que ya es perder...! por culpa de erráticos intereses, que van a conseguir que se deshaga por completo su identidad. De camino hacia el estudio del escultor paramos en el cementerio que César Portela diseñó para que descansaran los restos de los marineros mientras sus almas buscaban un mejor acomodo. Aún hoy permanece vacío, nadie quiere utilizarlo como última morada. Está claro, la hermosura de la construcción no engarza con la cultura mortuoria de la zona. Ahora se utiliza como un argumento turístico más, muy visitado; que a nadie le extrañe que algún día construyan en él vulgares bungalows.

O escultor

Álvaro de la Vega es un hombre fuerte, alto, de manos recias curtidas por el trabajo manual. Manos de esas que cuando las sientes, comprendes a que se deben referir los jueces y políticos cuando dicen, de manera metafórica, que caerá “sobre aquellos que no cumplan las leyes todo el peso de la justicia”. De repente también entiendo a que vienen esas cinco manos gigantescas –con venas pintadas emulando la circulación sanguínea– que comparten estancia con una multitud de ﬁguras enmudecidas, aguardando no se sabe muy bien que. Encuentro en él a un hombre amable pero nervioso, de gesto serio, intrigado, como aquel que parece estar preocupado por cuestiones que van más allá de las perentorias. De mirada profunda y cristalina, por lo de sincera, de esas que otorgan seguridad. Paso ﬁrme y decidido, de los que están acostumbrados a pelear con la vida; sin embargo, bajo esa apariencia ruda voy descubriendo a un hombre sensible, comprometido con su entorno. Hay que estar a bien con la naturaleza, no lo digo yo, lo dice el sentido común, ya que es el espacio en el que vivimos.

Traspasamos el quicio de la puerta de su estudio. Estamos en Corcubión, villa marinera. Es moderno, en cuatro niveles y con amplias ventanas. Por el suelo están esparcidos todos esos hijos que, básicamente en madera, le dan una atmósfera irreal al espacio que, por el hecho de estar tamizado por una luz natural cenital, impide que los veamos rebosar de vida aunque, con toda seguridad, la retoman en medio de la noche. El suelo bien pudiera ser el de cualquier taller de carpintería, con restos de herramientas y maderas trituradas que le dan un ambiente cálido a la estancia. A nadie se le escapa la calidez que emana de la madera aunque, como en este caso, sean cascotes y serraduras.

La obra

Ajeno a los discursos estéticos más contemporáneos, la obra en madera de este escultor es sorprendentemente expresiva. Un autor que trabaja la madera huyendo de la estilización de los objetos de cierta escultura que se practica hoy. Maderas que no esconden su procedencia: el árbol lleno de heridas, de grosores centenarios, que muestran toda su dureza, labradas al bruto, sin eludir la referencia a la materia que las contiene y con una mínima concesión al color, tan solo para poner el acento en algunas partes de la ﬁgura. En lenguaje popular, cuando se decía que un objeto estaba “hecho a machada” (con hacha, es decir, a lo bruto), era sinónimo de objeto mal fabricado o mal acabado, que no es el caso de las obras de Álvaro, que “produce un arte ligado a la tierra, un torrente verbal que sale del pueblo y que habla con las manos. Trabajo con el hacha porque es la herramienta que más me gusta, el labrado le da ritmo y cadencia”.

Resulta paradójico, después del dibujo trazado por la escultura contemporánea a lo largo del siglo XX, donde las prácticas artísticas optaron por la disolución del objeto, surgiendo corrientes que hoy están más que consolidadas, –desde las instalaciones, los ensamblajes escultóricos, las intervenciones efímeras, etc– así como las transformaciones vividas alrededor del espacio y del volumen, las fragmentaciones o los distintos materiales constructivos, que aún hoy, pudieran coexistir con un arte de proceder tan primario, que se remonta a épocas pretéritas como es la escultura de talla directa sobre madera. La misma que algunos, dejándose llevar por las apariencias la relacionaron con la de Leiro, “yo cuando empecé a hacer este tipo de escultura, ya sabía lo que se me venía encima. Quien me relacione con Leiro es que no tiene ni idea de lo que hago, no se puede confundir la risa con el drama”.

Decía Baudelaire que la escultura es un arte brutal y objetivo, tanto o más que los propios hechos de la naturaleza. Si tomamos por buena esta deﬁnición es probable que un proceder tan primario, de una gestualidad tan dramática y de corte expresionista –“cualquier cosa con ritmo, de cierta calidad autógrafa, de capacidad de ﬁrma, lo es”–, y de apariencia inacabada como la de Álvaro de la Vega se está a acomodar a ella; no obstante, bajo la piel de esos enormes troncos, de esas ﬁguras en actitud doliente y reﬂexiva, de esos hierros brutos que delimitan el volumen, sombras de alambre, metáfora de un sorprendente claroscuro, en las que las marcas de hacha son la única vestimenta con la que poder soportar la frialdad de la noche, encontramos una obra ruda en apariencia, aportando elementos de la cotidianeidad, de la estetización del sujeto, en una suerte de revisión del pop art en la que trata de potenciar la comunicación con el espectador. Pero que sirve, sobre todo, para dar cobertura a unos pensamientos de raíz ﬁlosóﬁca, muy elaborados, que se presentan ante nosotros en apariencia “muy real”.

Schopenhauer

Al ver estos grupos escultóricos no puedo evitar pensar en lo que de curativo tienen las artes plásticas y recordar el sentir trágico de la vida de Schopenhauer, cuando se refería al sufrimiento del ser humano por tener que satisfacer las necesidades materiales de una manera permanente. La vida es una lucha, decía él, en la que debemos soportar un permanente estado de deseo, donde las imperfecciones humanas tan sólo se librarán a través de la belleza desprendida por la contemplación de las obras de arte. La tragedia de la vida radica en ese permanente existir cerca del sufrimiento. La negación del deseo no acabará con la negación de la voluntad de vivir y la solución deﬁnitiva, según el ﬁlósofo, está en el nirvana budista, el estado más puro de negación de la voluntad. Por eso, consciente de un existir trágico en si mismo, el escultor acaba por ejercer de sanador, utilizando el arte como entidad curativa, con la que dar rienda suelta a nuestras angustias para librarnos de ellas, una manera de luchar contra ellas, como quien quiere liberarnos de nuestro transitar doliente por el mundo.

Claves

Tensión, masa, líneas verticales, reﬂexión, experiencia sensitiva, pensamiento, nihilismo, pesimismo, angustia, duda, búsqueda, ansiedad, espiritualidad, cárcel, alienación, cuerpo colectivo, existencialismo. Estamos ante un autor que sufre. Y ese carácter introspectivo, atormentado, ... acaba por extenderlo a su obra, extensión de si mismo, “¿atormentado? ¿qué artista no lo es?”.

No es amigo para nada de las esceniﬁcaciones, le parecen siempre muy peligrosas, sin embargo, le gustan las esculturas con espacio interior, consciente de que es éste el que nos conforma; y por otra parte, le da mucha importancia a la arquitectura externa de los espacios, “algo fundamental para que las ideas transcurran en la línea de la frontera, desde un concepto complejo llegar a la idea desnuda, por encima de lo narrativo interesa el juego del espacio”. Como importante es el contorno arquitectónico donde se desenvuelven.

A pesar de la aparente ingenuidad o empatía que podemos recibir de estas piezas, el escultor quiere restituir, no la apariencia de la realidad, sino la presencia de las mismas; sin darse cuenta de que dichas presencias se niegan a cualquier tipo de representación, puesto que estamos hablando de hechos trascendentes, de presencias como categorías de pensamiento –el ser humano como continente del espacio inﬁnito de pensamiento–, de la fragilidad, de la mecánica autodestructiva. El ser aﬂora en el signo, que se signiﬁca, pero no está interesado en complicar la historia en demasía e impedir el acercamiento de los espectadores, “me interesa crear una puerta de acceso fácil. No me interesan los espectadores pasivos, no me gusta complicar la primera línea de lectura”. Descubrimos trabajos de una larga trayectoria inspirados en la animalística simbólica de la Edad Media, de cierto carácter representativo del arte sacra, en esos retablos románicos que a él le gusta abordar desde su práctica, ﬁguras presentadas desde el distanciamiento, extrañas, como esas cuatro manos gigantes puestas sobre la pared, desde el estupor que inspiran todo tipo de inteligencias ajenas al ser humano. Otro de esos autores que le gusta hacer “guiños” a la historia del arte, con esos caballos que emulan los de Gericault, o a los toros de Guisando, sin olvidar que otra parte de su obra, esos seres de aspecto trágico, inciden en una de las constantes vividas por la práctica artística desde los ochenta que es esa importancia otorgada al cuerpo humano desde todas las perspectivas posibles, que van desde la enfermedad, las cuestiones de identidad sexual o las de aspectos relacionados con la belleza; que tuvieron mucho que ver con esa potenciación o vuelta al espíritu ﬁgurativo, o arte relacionada con el pop.

Al margen del imperfecto acabado, es llamativa la visibilidad exterior de las piezas, de ciertos materiales, como colas, restos de impurezas en la fundición de los hierros, arenas mezcladas con asfaltos o esos más que evidentes cables y tensores, necesarios en las tareas de sujeción de las propias ﬁguras, o las líneas verticales que dividen en dos algunas de las esculturas. Como también lo es el hecho de encontrar muchas de esas piezas mirando hacia la pared, insistiendo en ese sentimiento trágico del existir, línea de pensamiento que se muestra bajo una apariencia ﬁgurativa por reconocible, abstracta en el fondo, en un trabajo que no está lejos de lo conceptual. Impulso, llamémoslo intelectual, en el que el espectador tendrá que tratar de entender algo más allá de lo visible. No estamos ante uno de esos autores que desee ﬁltrar a la vida todo el periodo de aprendizaje, exceso de información, “no quiero sobrecargar la escultura, hoy estamos viviendo un arte muy mediatizado y el hecho de tener información vicia al arte. Me interesa que el público perciba cierta proximidad”.

Una obra condicionada al dibujo, “la fase inicial de todo trabajo es muy importante, a pesar de que la terminal es la que más se valora”. Esculturas que como si fueran dibujos les aplica esa tercera dimensión, la aportación del claroscuro, haciendo que las piezas de madera proyecten sombras dibujadas sobre el alambre –la serie de la Contemplación-, otra obsesión más. La escultura de Álvaro fue con el tiempo presentándosenos cada vez más desnuda, poniendo en práctica un proceso de borrado para no tener que centrar la mirada en nada que vaya más allá de unas líneas básicas y familiares. Como esos ángeles que cuelgan del techo, “emergencia”, en donde los podemos ver con las alas en la mano, un verdadero proceso de desmitiﬁcación, o esa pareja hombre y mujer, en ropa interior, que tienen como pedestal el propio tronco sin labrar del árbol. El espectador encontrará todas esas cuestiones que relacionadas con lo extraño nos hacen incidir en lo poético, “la ﬁnalidad de toda creación artística, esa capacidad que tiene el arte de llevar al espectador hacia zonas de exploración desconocidas” guiando todas esas cuestiones que relacionados con la intuición, la frontera, la trascendencia a las que tan solo se puede llegar a través del arte. Como en este caso, que desde las entrañas de lo informe, de esos troncos, que entre lo caótico irán apareciendo formas insinuadas, veladas, partiendo del dibujo, siempre del dibujo “primeros garabatos, proceso de puriﬁcación y vuelta al dibujo”, liberándose de la materia que le da forma, para llegar al cuerpo, al cuerpo como ente abstracto que contiene, lo verdaderamente importante.

En una sociedad cada vez más alejada de las cuestiones de raíz existencial, en la que cada vez resulta más difícil encontrar un hueco para la introspección, la obra de De La Vega “estructurada a partir de símiles, no metáforas, en donde todo es proximidad, relacionar las cosas miméticamente, una forma básica del lenguaje, en un intento de que el público perciba la proximidad”. Un espacio hacia la reﬂexión en un mundo cada vez más frívolo y sordo. Tal vez esta obra consista en esto, aproximarse a lo que de auténtico aun queda en el ser humano, por eso trata de acercarse tanto a el, preparar una envoltura aparente que se ponga en contacto con lo que nos rodea, un espacio en el que purgar los males de la sociedad y sentirse a salvo de ella. Lacán decía que “lo obsesivo es una persona que está todo el tiempo preguntándose si está vivo o muerto, horrorizado no solo con su propio deseo, sino de manera muy especial con el del Otro, por eso intenta deshacerse del Otro deseante, y lo hace adoptando el lugar del otro. La única manera de estar a salvo de las agresiones, es construir esos espacios, esos seres aparentes con los que ponerse en contacto con la realidad que nos rodea y así estar a salvo de las consecuencias de tan frenético devenir. Con la muerte del Otro deseante, este aguarda el hecho de ser libre para vivir. Sin embargo, el hecho de imponerse nuevas normas continuamente, lo obsesivo termina por convertirse en un muerto viviente”. Y estos cuerpos no son otra cosa que ataúdes con los que enfrentarse a la muerte, pensamientos alrededor de la vida, llenos de angustia, de espiritualidad, obsesivos, de miedos. Una manera de llegar a la divinidad a través del yo, de buscar el orden dentro del caos. Por eso estos rostros de Álvaro, a modo de personajes salidos de los retablos medievales, fragmentos, manos, que nos recuerdan que no somos otra cosa que parte de una secuenciación biológica. Mantengámonos a salvo, exorcicemos los malos augurios. Morir para volver a nacer, dedicándonos a estudiar la tradición budista, la única que, según Schopenhauer nos va a salvar; o simplemente disfrutemos de la contemplación y el carácter curativo de las artes.